Andrea del Verrocchio est une personnalité emblématique, un sculpteur italien remarquable et un peintre de la Renaissance qui, grâce à son talent et à son inépuisable acharnement, a réussi à laisser une marque profonde sur la culture mondiale. Ses œuvres magnifiques ont été reconnues tant par les contemporains que par leurs descendants.
Les toiles et sculptures créées par le maître font partie des collections de nombreux musées en Italie et dans d'autres pays du monde, admirant la manière inhabituelle d'exécution et la profondeur du concept idéologique.
Informations biographiques et atelier de Verrocchio
On sait peu de choses sur la vie personnelle d'Andrea Del Verrocchio, dont le vrai nom était Andrea di Michele Cioni. On sait qu'il est né à Florence (Firenze) vers 1435. Dans l'enfance et la jeunesse, il aimait la musique, montrait un penchant pour les sciences techniques, aimait la géométrie et l'astronomie. La famille du futur maître n'appartenait pas à une famille noble, mais, grâce à son père, artisan et plus tard au service des douanes de la ville, ne ressentait aucun besoin matériel particulier.
Après la mort prématurée du soutien de famille, Andrea, 17 ans, a dû gagner sa vie et fournir de la nourriture à certains de ses frères et soeurs. En même temps, une passion pour l’art et un désir insatiable de créer de belles œuvres ont déterminé le destin du jeune homme.
Comme beaucoup d’artistes et de sculpteurs renommés de la Renaissance, le parcours créatif de la jeune Andrea a débuté par une formation et un travail dans l’un des ateliers de bijouterie de Florence. Là-bas, il était non seulement engagé dans la fabrication de bijoux précieux, mais avait également appris les bases de la peinture, du plastique et de l'architecture. Son premier professeur était Giuliano Verrocci, dont le nom de famille a été emprunté par Andrea sous une forme légèrement modifiée pour son futur pseudonyme.
Quelques années plus tard, Andrea del Verrocchio a fondé son propre atelier d'art, qui a été incroyablement populaire parmi les habitants de Florence. Cet endroit est devenu une source d'éducation polyvalente et une expérience professionnelle inestimable pour toute une galaxie de jeunes artistes et sculpteurs prometteurs, de futurs titans de la Renaissance. Ceux-ci inclus:
- Sandro Botticelli
- Pietro Perugino (Pietro Perugino);
- Domenico Ghirlandaio (Domenico Ghirlandaio);
- Lorenzo di Credi;
- Leonardo da Vinci
L'atelier de Verrocchio régnait dans une atmosphère d'amour sans fin pour l'art, la science, la philosophie et la littérature. En plus d'étudier les méthodes traditionnelles de travail des peintures, du métal, de la pierre, du plâtre et du cuir, une attention particulière a été portée aux disciplines exactes et à leur application pratique dans la peinture et la sculpture, des différends ont surgi au sujet de la valeur artistique de certaines œuvres, des idées d'humanisme ont été discutées en détail, des discussions ont eu lieu sur le patrimoine ancien. .
Verrocchio a gagné le profond respect et le patronage de nombreux citoyens influents et patrons de Florence, recevant divers ordres de leur part. Les représentants du clan des Médicis ont manifesté un intérêt particulier pour ses créations, qui étaient à l'époque les souverains tacites de la république. Avec beaucoup de talent et de débrouillardise, Verrocchio a été capable de décorer les fêtes de personnes nobles et la conception des fêtes de la cour.
Pendant la majeure partie de sa vie, il a vécu et travaillé dans sa ville natale. À la fin du XVe siècle, il s'installe à Venise (Venise), où il meurt à l'âge de 53 ans, en 1488.
Sculptures et peintures - un style spécial du maître
Dans les milieux artistiques, il est généralement admis que Verrocchio n’a pas commencé à peindre avant les années 60 du XVe siècle. Ses peintures sont consacrées principalement à des sujets religieux.
La place dominante dans les récits évangéliques, recréée magistralement par l'artiste, est l'image de la Vierge Marie (généralement avec le petit Christ). Dans les œuvres de Verrocchio, la Vierge Marie apparaît presque toujours comme une vierge triste, remplie de tristesse silencieuse et d'humilité. Un trait distinctif du style est la sophistication aristocratique spéciale, la minutie de la transmission des détails, la précision et la netteté de l'image, la spiritualité et le lyrisme des images. Il est à noter que toutes les peintures, connues sous le nom d'œuvres de Verrocchio, ne peuvent être attribuées avec une exactitude absolue à la paternité de l'artiste florentin.
Les œuvres sculpturales lisent clairement l’influence de l’art ancien et le patrimoine créatif de brillants artistes tels que Donatello, Antonio del Pollaiolo, Desiderio da Settignano. Verrocchio s'est efforcé de perfectionner les formes et a réussi à bien des égards. Le travail du sculpteur, considéré à son époque comme le meilleur expert en métal, a eu un impact significatif sur le développement du plastique fondu en bronze.
Baptême du Christ
Le tableau Baptême du Christ (Battesimo di Cristo) est reconnu comme l’œuvre la plus célèbre du maître, réalisée en collaboration avec son élève, le jeune Léonard de Vinci, dans les années 70 du XVe siècle. L'intrigue est basée sur la scène biblique canonique de l'évangile de Matthieu, souvent trouvée sur les toiles des peintres de cette époque.
Dans la solution de composition, dans laquelle figure la figure centrale du Sauveur, se tenant dans les eaux du Jourdain, ainsi que dans l'image de Jean-Baptiste, les traits caractéristiques de la peinture médiévale sont tracés. Les personnages n'ont pas d'individualité, ils remplissent plutôt le rôle de symboles, personnifiant la majesté et la spiritualité profonde. Les mouvements semblent limités, manquant de dynamisme, les postures semblent quelque peu artificielles. L'arrière-plan, qui rappelle non pas un paysage, mais une décoration, est dépourvu d'espace et de perspective. En même temps, le travail se distingue par une riche palette de couleurs et une variété de nuances.
Dans le coin inférieur gauche de l'image se trouve la figure d'un petit ange vêtu d'une robe bleue. Léonard de Vinci est l'auteur de cette partie du travail, réalisée (contrairement à l'ensemble du travail) non pas à la tempera mais à la peinture à l'huile.
Jusqu'en 1530, le tableau se trouvait dans l'église de San Salvi, à Florence, puis a été transféré à la Galerie des Offices (Galleria degli Uffizi), où il est exposé aujourd'hui.
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David
Une statue de David en bronze de presque un mètre (125 cm), réalisée avec une incroyable habileté technique, remonte aux années 60-70 du XVe siècle. Cette œuvre sculpturale glorifia Verrocchio et devint à juste titre considérée comme le standard du plastique de la Renaissance. Dans l’œuvre du maître, l’influence de Donatello et de sa statue du jeune roi nu, le guerrier victorieux créé plusieurs décennies plus tôt, peut être clairement retracée.
La sculpture de Verrocchio se distingue par la grâce, l'aristocratie, l'expressivité et la précision anatomique de la transmission des formes du corps humain. Le roi biblique, créé par le sculpteur, apparaît comme un jeune homme courageux et triomphant, profitant de sa victoire sur le défait Goliath. Son corps mince et beau est habillé dans une tunique en cuir étroitement ajustée. Une posture détendue, un demi-sourire sur les lèvres, une rotation de la tête - chaque détail en dit long sur la profonde satisfaction et la confiance en soi du héros, et la tête puissante et déchirée du géant, aux pieds d’un jeune guerrier, souligne avec éloquence la valeur de la bataille remportée.
Il existe une légende selon laquelle c'est Léonard de Vinci qui a posé pour Verrocchio, qui a travaillé sur la statue de David, mais il n'est pas possible de prouver la fiabilité de cette légende.
Le travail sculptural a été commandé par la famille Medici et était destiné à décorer la villa Careggi, après quoi la statue a été transférée au Palazzo Vecchio, où se trouvait la basilique florentine. En 1777, l'œuvre du maître a été présentée à la Galerie des Offices. Actuellement, la magnifique statue de Verrocchio fait partie des trésors du Musée national du Bargello (Museo Nazionale del Bargello).
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Assurance Thomas
L'œuvre monumentale du Christ et de saint Thomas, dans les milieux des historiens de l'art, est aussi appelée l'incrédulité (ou l'assurance) de saint Thomas (Incredulita di san Tommaso), exécutée dans les années 1960-1980.
Le groupe de sculptures était à l'origine installé dans l'une des 14 niches ornant les murs extérieurs de l'église d'Orsanmichele à Florence. Il est désormais remplacé par un exemplaire. L'original, qui a subi une restauration d'envergure à la fin du siècle dernier, est conservé dans les murs du musée du même nom situé dans le temple.
L'image du Sauveur joue un rôle dominant, le saint apôtre se tient à gauche, sa silhouette dépasse la niche, mais l'unité des lignes de robes flottantes, la spiritualité des gestes et le drame profond sur les visages des héros suscitent un sentiment d'intégrité artistique absolue et de complétude de l'œuvre. Une telle solution compositionnelle de sculpture de façade était une véritable innovation pour l'art de cette époque.
